El Movimiento Artístico fotográfico


Entre los pioneros del arte fotográfico destaca en francés Nadar, cuyo nombre real fue Gaspard Félix Tournachon y se hizo popular al realizar doscientos cincuenta retratos que utilizó con el fin de realizar las caricaturas de su Phanteón Nadar en 1853. Nadar utilizó la técnica del colodión y al abrir su primer estudio fotográfico, éste sería un lugar común de reunión para tocar temas políticos y sociales de la época; con respecto a sus retratos, era casi una característica que los retratados aparecieran de pié y sobre fondos lisos.

Nadar realizó las primeras fotografías aéreas de París sobre un globo aerostático (1855), así también, realizó fotografías con luz eléctrica al documentar fotográficamente las catacumbas y cloacas de su ciudad, haciéndose muy popular entre los diferentes artistas de su época como el pintor Honoré Daumier, quién publicó en 1862 una litografía en el diario Le Boulevard de París, del fotógrafo en globo sobre la ciudad con el texto: “Nadar elevando la fotografía a la categoría de arte“.

En ése entonces, el número de adeptos a la fotografía crecía, de ésta manera, surgió el interés por la producción artística de fotógrafos como Oscar Gustav Rejlander, de origen sueco pero radicado en Londres, quién inicialmente utilizó imágenes fotográficas que luego pintaría, se dedicó por completo a la profesión de fotógrafo a partir de 1855. Varias de sus composiciónes se basaron en pinturas, pero se hizo mayormente conocido por realizar una fotografía compuesta por alrededor de treinta negativos, los que superpuso de tal forma que obtuvo una sola imagen luego de seis semanas de trabajo y a la que tituló The Two ways of Life, mostrada en 1857 en la Exposición de Tesoros del Arte, una de las más importantes exposiciónes artísticas del siglo XIX.

Rejlander realizó una fotografía de temática variada, sus retratos cargados de teatralidad, incluso en las fotografías de niños que realizó y que gozaron de gran popularidad. Charles Darwin utilizó algúnas de sus imágenes en 1872 para ilustrar su libro La Expresión de las emociones en el hombre y en los animales.

El trabajo de Julia Margaret Cameron, destaca también entre los pioneros del arte fotográfico. A pesar de su inicio tardío, supo imprimirle a sus imágenes una personalidad propia; Cameron, quién tenía limitaciónes técnicas, supo recurrir a los medios necesarios para realizar sus objetivos artísticos en sus fotografías, muchos de ellos deliberados, razón por la que se le criticó en su momento.

El constante trabajo de éstos fotógrafos pioneros, fue el antecedente para los iniciales seguidores del movimiento pictorialista como Henry Peach Robinson, entre otros fotógrafos europeos, quiénes plantearon que la fotografía era un arte en igual condición que la pintura y otras artes, éste movimiento se caracterizó por el uso de efectos en las imágenes como el flou que consistía en suavizar la imagen a través de efectos técnicos como el desenfoque o las aperturas máximas del diafragma de la cámara y sus temas se basaron en paisajes, alegorías y figuras femeninas, el inicio de éste movimiento duró hasta la Primera Guerra Mundial.

Como figura representativa de éste inicio, tenemos a Henry Peach Robinson, grabador y pintor quién al adoptar la profesión de fotógrafo (1852), fue reconocido por una fotografía de estudio manipulada en su revelado, en la que posaban tres actores simulando el lecho de muerte de una joven, la fotografía titulada Fading Away, causó opiniónes encontradas, sin embargo, la obra de Emerson fue prolífica, incluso escribió un libro sobre el pictorialismo que profesaba: Pictorial Effect in Photography en 1869, es un referente importante sobre el estilo del movimiento.

Posteriormente el movimiento cambiaría su orientación al ser retomado y dirigido por Alfred Stieglitz, Edward Steichen, pero, este cambio se originaría gracias a la constante oposición al Peter Henry Emerson ante los métodos tradicionales del pictorialismo por lo que proponía una fotografía más fiel a la naturaleza y de pureza técnica.
Emerson nació en Cuba, pero su desarrollo como fotógrafo tuvo lugar en Gran Bretaña y la mayor parte de su trabajo fue hecho en torno a la zona de East Anglia y sus habitantes, las mismas que se encuentran dentro de sus diferentes publicaciónes fotográficas bajo el título de Life and Landscape of the Norfolk Broads.

Emerson, a su vez, publicó un libro en donde manifestaba su posición frente a las tendencias estéticas de su época, asimismo, propuso muchas teorías sobre fotografía basadas en su punto de vista estético.

En 1981 Emerson publicó un folleto en donde cambia su postura y criticaba ahora el valor artístico de la fotografía, aún así, continuó realizando fotografías, publicando en 1895 Marsh Leaves, en donde se aprecian varios fotograbados considerados como su mejor obra.

En el caso de Alfred Stieglitz, realizó sus primeras fotografías en Alemania, tiempo después se establecería en Nueva York, donde fundó revistas reconocidas en su época como la Camera Notes y Camera Work y dirigió diversas galerías de arte y junto a Edward Steichen formó el Photo Secessión para promover el nuevo pictorialismo, razón por la que se convirtió en un constante promotor del arte moderno y la fotografía, así como un gestor de nuevas tendencias artísticas que marcarían el nuevo rumbo y posterior abandono del pictorialismo.

Posteriormente a la Primera Guerra Mundial, se optaría por una fotografía más nítida y pura en su técnica, surgiendo entonces la Fotografía directa, cuya temática se centra en la industria y el oeste norteamericano, ésta corriente se afianzaría más tarde con la creación del grupo f/64. A su vez, fue el promotor del trabajo de sus compatriotas, por lo que organizó exposiciónes de fotografía con mucha frecuencia.

Stieglitz promovió el trabajo de Edward Steichen, quién participaría en el Philadelphia Salón de 1989 a la edad de veinte años; parte de su trabajo, fue publicado en algúnas revistas alemanas, posteriormente viajaría a New York, donde instalaría un estudio fotográfico, pero, en donde además, se desempeñaría en algunos cargos del gobierno estadounidense durante hasta ser director del Museum of Modern Art de New York. Su trabajo va desde el pictorialismo hasta la fotografía en color, realizó además, importantes exposiciónes como The Family of Man y sus fotos fueron publicadas por revistas como Vogue y Camera Work.

El proceso continuaría, y algunos años más tarde (1932), y teniendo como antecedentes a los planteamientos de la fotografía directa, propuesta por Stieglitz y sus contemporáneos, surge en Estados Unidos, el grupo vanguardista f64 integrado principalmente por Ansel Adams y Edward Weston, entre otros fotógrafos, quienes desarrollarían su trabajo en el oeste norteamericano en paralelo al de fotógrafos como Paul Strand, trabajo que estuvo caracterizado por el uso de imágenes nítidas y de gran calidad en las que no cabía manipulación algúna, incluso algunos de sus integrantes, participaron en la importante exposición de fotografía Film und Foto realizada en 1929 en Alemania.

Sin embargo, el trabajo de algunos de sus miembros se remonta a años atrás, como el de Edward Weston , quién había fundado el grupo Los Ángeles Camera Pictorialist sobre 1914, tiempo después y luego de haber estado algún tiempo en México, se trasladaría hacia el sur de Estados Unidos, en donde, ayudado por su joven hijo, desarrolló la mayor parte de sus fotografías, algúnas de las que se encuentran en su libro California and the West, así como en otros más, los cuales ilustró.

El trabajo de Weston impresionó a otros fotógrafos como Ansel Adams, quién junto a otros fotógrafos como Imogen Cunningham, John Paul Edwards, Willard Van Dike, Edward Weston y Sonya Noskowiak, entre otros, formaron el grupo f/64 , que se caracterizó por la búsqueda de nitidez y calidad en sus imágenes, libres de manipulación algúna. La primera exposición de éste grupo se realizó en 1932 en el Young Memorial Museum de San Francisco. Este grupo causó un gran impacto entre los fotógrafos artísticos de la época.

En un inicio, el trabajo fotográfico de Ansel Adams estuvo influenciado por el pictorialismo, hasta que conoció a Paul Strand, quien lo introdujo en las tendencias de la fotografía directa. Adams fue uno de los principales exponentes de la fotografía paisajista sobre distintos lugares del oeste norteamericano y fue reconocido por idear la técnica del sistema de zonas en la que se pueden determinar los tiempos precisos de exposición y revelado de imágenes. Además de publicar varios libros ilustrados como Taos Pueblo y Death Valley, fue el cofundador del departamento de fotografía del MoMA y de la School of Fine Arts de California.

Paul Strand, sin embargo, se iniciaría en la fotografía mucho antes que Adams y al igual que él, estuvo muy influenciado por la segunda etapa del pictorialismo, razón por la que Stieglitz publicó varias de sus fotografías en la Camera Work, que marcarían la orientación estética de la fotografía de ése entonces.

Todo el desarrollo de los fotógrafos influenciados por la fotografía directa se daría en paralelo a las vanguardias artísticas europeas de la época y de diferentes características, ya que fueron fuertemente influenciadas por movimientos artísticos tales como el constructivismo ruso, el surrealismo y dadaísmo. En ellas destacan Man Ray. Laszlo Moholy-Nagy, Alexander Rodchenko y André Kertesz quiénes utilizaron a la fotografía para proponer un discurso artístico caracterizado principalmente por su búsqueda de la forma en la composición.

Man Ray, quién pertenecía al grupo dadaísta, inició su trayectoria artística como pintor, pero fue realmente conocido por su desempeño en la fotografía, el mismo que empezó alrededor de 1921, tiempo en el que elaboraría sus primeros rayogramas y fotogramas, muy similares a los de Moholy-Nagy, ya que ambos utilizaron para su elaboración, diferentes objetos tridimensionales y piezas mecánicas.

Man Ray también realizó retratos que fueron reconocidos al ser premiado en la 15 Annual Exhibition of Photographs. Al año siguiente publicó doce de sus rayogramas bajo el nombre de Les Champs Délicieux, los mismo que elaboraría utilizando objetos tan diversos como una llave o un abanico.

De manera similar se daría el desarrollo de Laszlo Moholy-Nagy, un pintor húngaro quién luego trabajó en Berlín como profesor de la Bauhaus en Dessau; institución que lo incluyó en la publicación de uno de sus libros: Malerei, Photographie, Film en 1925, contiene una serie de fotografías diversas hechas por él y otros autores.

Además de sus conocidos fotogramas y rayogramas, Moholy-Nagy elaboraría también diversos fotomontajes, muy creativos que reflejan la influencia de las vanguardias estéticas de la época como el dadaísmo y el constructivismo, el mismo que también influenció al pintor ruso Alexander Rodchenko, pero que, abandonaría la pintura constructivista para dedicarse a la fotografía.
Rodchenko realizaría sus primeros fotomontajes con el fin de ilustrar la obra de algunos poetas vanguardistas rusos en 1922 y fue el creador de los denominados “planos de ombligo“ hacia 1928.

Su obra presenta diferentes temáticas: arquitectura, maquinarias, paisajes urbanos y retratos, los cuales elaboró a manera de fotomontajes y diferentes técnicas fotográficas. De igual manera, desempeñó un rol importante dentro del grupo de fotógrafos denominado oktiabr, colaborando en importantes revistas como lef y hacia 1933, fundó junto a su esposa la revista URSS en construcción.

Por otro lado, el desarrollo del fotógrafo André Kertesz se da en paralelo. Sus primeras fotografías se centraron en distintas personas en sus ambientes naturales, así como las que hiciese sobre la Primera Guerra Mundial publicadas en 1917 en Hungría. Posteriormente se instalaría en París, lugar donde se relacionó con varios grupos de vanguardia y cuya influencia se vio reflejada en su serie de desnudos titulada Distortions en 1933. tres años más tarde se mudó a los estados Unidos, en donde su trabajo se orientó al reportaje social y el constructivismo.

Una muestra importante que reuniría las tendencias artísticas de le época se dio en 1929 en la exposición Film und Foto en Alemania que incluyó a diversos fotógrafos de toda Europa y estados Unidos, entre los que figuran André Kertesz, Laszlo Moholy-Nagy, Edward Steichen y Edward Weston, entre otros. La muestra tuvo un claro impacto en fotógrafos de Europa central.

Tiempo después sobre 1945, Norteamérica volvería a presentarse como el lugar en donde surgiría una nueva dirección de la fotografía artística caracterizada en la búsqueda de formas visuales autónomas, muchas veces inspiradas en la cotidianidad pero capaces de proponer una nueva visión , donde el trabajo y obra de Minor White, Harry Callahan, Aaron Siskind y Robert Louis Frank destacan en su representación. Este sería el último movimiento artístico propio de la fotografía de gran importancia entre 1940 y 1960.

Minor White por ejemplo, quién fue originalmente botánico, estudió arte y estética en la Universidad de Columbia, trabajando después en el MoMA. White realizó una obra minuciosa y su estilo se vio influenciado por otros fotógrafos como Alfred Stieglitz, Edward Weston y Ansel Adams, gracias a su vinculación con éstos. Su ensayo Found Photography descubrió su enfoque como fotógrafo, así como el proceso espiritual inmiscuído en la realización y observación de fotografías.

White además, fue cofundador de la revista Apertura en 1952 y realizó una versátil carrera como fotógrafo, pasando por el retrato, el paisaje y la abstracción.

Por su parte, Aaron Siskind se dedicó ala enseñanza de inglés y literatura desde 1926. Cuatro años más tarde participó en el grupo de la Worker´s Film and Photo League, para el que realizaría algunos reportajes; colaborando también en algunos documentales como Harlem Documents y The Most Crowded Block. Posteriormente se orientó hacia una fotografía predominantemente abstracta sobre 1943, fue co-editor de la revista de poesía y fotografía Choice y enseñó en el Institute of Design de Chicago y en la Rhode Island School of Design.

Respecto a su trabajo, Newhall señala que “Siskind enfatiza lo lineal, los bordes son marcados, los contrastes son grandes. Todo parce situado en un único plano, con escasa profundidad. A menudo la imagen es ambigua y crea en el espectador una tensión entre lo que es obvio y lo que se supone un nuevo descubrimiento visual“.

De otro modo. Harry Callahan ha desarrollado su trabajo paralelamente al de Siskind, y se inicia en la fotografía en 1936, al tiempo que también se forma en seminarios de fotografía hechos por Ansel Adams. Luego de algunos años, se traslada a New York donde conoce a Paul Strand. La importancia de su trabajo lo llevó a participar en la exposición In and Out of Focus, gracias a Edward Steichen quién lo seleccionaría para dicha muestra.

La obra de Callahan, asegura Newhall, se caracteriza por ser bella y precisa, con buen dominio del encuadre , y ha realizado fotografías con exposiciónes largas del negativo, así como fotografías con la cámara en movimiento. La temática de su obra es variada, resaltan fotos de naturaleza, arquitectura, reflejos sobre el agua y haces de luz en la oscuridad. Entre su desempeño, fue jefe del departamento de fotografía del Institute of Design de Chicago, y luego de realizar distintos viajes por el mundo, enseñaría en la Rhode Island School of Design entre 1964 y 1977, un tiempo después y antes de su muerte, recibió la Medalla Nacional de las Artes de EE.UU.

Finalmente tenemos a Robert Louis Frank, suizo que emigró a los EE.UU. en 1940, trabajó en el Harper´s Bazar, pero luego realizaría diversos reportajes en países como el Perú, Bolivia, Francia é Inglaterra en paralelo a la fotografía publicitaría de modas en los que resaltan sus trabajos para revistas como Life, Fortune y Look. Además tuvo bastante éxito con el fotoperiodismo y en 1955 se convertiría en el primer europeo en recibir una beca Guggenheim.

Frank realizó una serie de viajes por todo EE.UU. en los que registró diversos desfiles, automóviles, gasolineras, autopistas desiertas y carteles. Su fotografía se caracterizó, según señala Newhall, en ser realista y descarnada, con un marcado desinterés por la belleza, a su vez, éstas fotografías fueron publicadas en París (1958) bajo el nombre de Les Americains, trabajo que fue editado posteriormente en EE.UU. con un prefacio del reconocido poeta de la generación Beat Jack Kerouak, sin embargo, recibiría muchas críticas que tacharon su trabajo de sórdido y descuidado.

En adelante y con el fin del movimiento artístico de la fotografía en paralelo al del arte, se daría una diversificación del medio fotográfico, caracterizado por las múltiples tendencias, con las que se usa la fotografía y en donde se pueden identificar a múltiples fotógrafos de manera independiente y en diversos aspectos según sea o se valla dando el uso del medio, esto no representa una pérdida expresiva, por el contrario, la diversificación facilita la comprensión del mundo donde nos desarrollamos en la medida que se ha ido incorporando como una herramienta dentro del arte, la misma que “atraviesa las artes plásticas y participa de la hibridación generalizada de la práctica, de la desaparición, cada vez más manifiesta, de las separaciones entre los diferentes campos de producción… desde el final de los años sesenta cuando las artes de actitud, el arte conceptual y la fotografía entablan innegables afinidades electivas para, más adelante analizar la deconstrucción del mode
rnismo en la que la fotografía fue, sin duda, uno de los operadores más corrosivos.“
 

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